Hallo Ihr Lieben,

nächste Woche geht es in eine charmante, leise Komödie über einen liebenswerten Loser (Ned), der mit seiner Naivität und Ehrlichkeit das Leben seiner drei Schwestern nachhaltig verändert. Tschechow light trifft doof, aber liebenswert, wäre ein viel zu hartes Resümee für den neuen Film von Jesse Peretz (“Dein Ex, mein Alptraum”), auch wenn einerseits die Geschwisterkonstellation, andererseits die oberflächliche Betrachtung des Titelhelden stimmt. “Our Idiot Brother” ist ein Plädoyer für naive, aber reine Seelen, die als schwachsinnig missgedeutet werden. Um diesen Grad der Erleuchtung in der Beurteilung erreichen zu können, braucht man auf und vor der Leinwand allerdings Toleranz in buddhistischen Größenordnungen. Denn Ned (Paul Rudd) stiftet Chaos, bringt sich und andere oft in große Schwierigkeiten, weil er immer die Wahrheit sagt, an das Gute im Menschen glaubt und damit auch problematische Situationen nie korrekt einschätzt. Einen richtigen Job hatte er nie, seine Hippie-Freundin nutzt ihn aus und ersetzt ihn kurzerhand durch einen Kiffer vergleichbar gutmütiger Bauart, als Ned, der einem Cop arglos Marihuana verkaufte, in den Knast wandert. Nach seiner Entlassung wird der grundanständige Held kurzfristig in das Leben seiner Schwestern eintauchen und es nachhaltig beeinflussen.

Problembereiche wie Karrierismus, pazifistisch-esoterische Pädagogik, Schwangerschaft und Seitensprung kommentierend, wird er unbeabsichtigt Auslöser für Veränderungen, ohne je, wie etwa in Hal Ashbys “Willkommen, Mr. Chance”, ein als Messias missverstandener Schwachkopf zu sein. Als Komödie ist dieses Familienunternehmen, dessen Drehbuch Peretz’ Schwester und Schwager schrieben, nur bedingt massentauglich. Trotzdem gefällt der in den Schwesterrollen prominent besetzte Film durch sein konsequentes Desinteresse, platte Pointen landen zu wollen, durch seine leise Komik, die sporadisch ins Absurde abdriftet, und seine Figuren, die ihrem Wesen stets treu bleiben. Rudds Szenen mit seinem Bewährungshelfer, den er als “Gratis-Therapeuten” begrüßt, sind ein Highlight wie auch jene mit dem neuen Lover seiner Ex, der sich über die meditative Qualität des Kerzenrecyclings ähnlich begeistern kann wie er. Dem Titel zum Trotz ist also Bruderliebe dank solcher Vorzüge durchaus denkbar.

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nächste Woche geht’sin den neuen Tim Burton – Yeah! – und dann natürlich auch in den neuen Johnny Depp – noch mal Yeah! Die achte Zusammenarbeit ist sichtbar den Sensibilitäten und kreativen Präferenzen des kongenialen Duos verpflichtet, ermöglicht Depp ein weiteres exzentrisches Exotenporträt und Burton die Rückkehr zum gothic Grusel von “Sleepy Hollow”, gekoppelt mit einer Liebeserklärung an romantische Seelen und ihren Platz im Leben suchende Außenseiter. Weil die gleichnamige Vorlage, die zwischen 1966 und 1971 täglich ausgestrahlte, von übernatürlichen Kreaturen bevölkerte Soap, deutschen Zuschauern unbekannt ist, muss “Dark Shadows” nostalgisch verklärte Puristen nicht fürchten, kann unbelastet nachweisen, dass der Hölle Zorn nichts gegen die Rache einer verschmähten Frau ist. Obwohl sich Burton der Komödie nur zurückhaltend verschreibt und sein Film nie die “Addams Family” sein will, gibt es genügend Gags der schrägen Art, über die man sich amüsieren kann und für die Actionfans einen effektgeladenen Showdown, bei dem sich “Der Tod steht ihr gut” und “Der Rosen-Krieg” begegnen. Über allem aber thront Johnny Depp mit antiquiertem Sprachduktus, Kabuki-Make-up und theatralischem Gang – und ein romantisches Plädoyer für die Liebe, das selbst bösen Hexenherzen Vergebung verdienen lässt.

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München geht dafür nächste Woche in Bel Ami (den ich schon auf der Berlinale gesehen habe, und Euch vor allem wegen der illustren Damenriege wirklich ans Herz legen kann). Worum geht es? Ein attraktiver Mann, der sich nach oben in die Gesellschaft schläft, war weder im 19. Jahrhundert noch ist im 21. eine Seltenheit. So hat Guy de Maupassants Klassiker “Bel Ami” von 1885 nichts an Aktualität verloren. Die Hauptrolle mit dem von der Frauenzeitschriften-Klientel mehrmals zum “sexiest man on the planet” gewählten Robert Pattinson zu besetzen, könnte ein guter Schachzug sein, auch ein jugendliches Publikum für die etwas angestaubte Belle Epoque zu interessieren. Dem weiblichen Kreischfaktor auf der Berlinale nach sollte das jedenfalls gut gelingen. Pattinson beisst nicht, sondern küsst als mittelloser Georges Duroy die Damen der Gesellschaft um den Verstand, die bald alles für ihn tun. Der arme Schlucker kommt ohne Beruf oder Vermögen nach Paris und haust in einer bröckeligen Mansarde. Aber er verfügt über drei wichtige Dinge: Sexappeal, Charme und den unbeugsamen Willen nach Anerkennung, Reichtum und Ruhm. Gegen die schauspielerische Schwergewichte wie Uma Thurman (Madeleine), Kristin Scott Thomas (Madame Rousset) und gegen Christina Ricci (Clotilde) hat er aber leider keine Chance…

Wer will, kann Parallelen ziehen zum heutigen Celebrity-Business, zum ewigen Spiel um Macht und Sex, das die Jahrhunderte überdauert. Genießen sollte man die Opulenz von “Bel Ami” und die Performance der Schauspielerinnen, wahrlich ein Vergnügen.

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nächste Woche geht Berlin in eine subtil inszenierte Coming-of-Age- und Gender-Story über ein zehnjähriges Mädchen, das ein Junge sein möchte. „Tomboy“ – so der Titel des Films – nennt man jungenhaft wirkende Mädchen. Und so eines ist die zehnjährige Laure. Mit ihren Eltern und der sechsjährigen Schwester ist sie gerade umgezogen und wird bei ihrem ersten Ausflug in die fremde Umgebung von der gleichaltrigen Lisa für einen Jungen gehalten. Flugs stellt sie sich als Michael vor, der bald super Fußball spielt, sich prügelt und es auch sportlich den “Geschlechtsgenossen” zeigt. Als sich Lisa in Michael verliebt, wird es etwas kompliziert, aber erst als sich eine Frau bei Laures Mutter beschwert, ihr unerzogener Sohn habe ihren braven Filius verhauen, kommt die Lüge ans Licht und das Spiel mit der doppelten Identität endet.

Dem zweiten Spielfilm von Céline Sciamma (“Wasserlilien”) sieht man die kurze Drehzeit von 20 Tagen und das Budget von 500.000 Euro nicht an und schon mal gar nicht, dass sie das Drehbuch in drei Wochen schrieb. Ihre Philosophie hieß, nicht lange auf Finanzierung warten, sondern das Projekt schnell und radikal angehen. Die Umsetzung des komplexen Themas steht und fällt mit der Besetzung und die ist perfekt. Die junge Zoé Heran überzeugt als Junge wie als Mädchen, bringt kindliche Verletzlichkeit, Gender-Unsicherheit und eine große Zärtlichkeit mit, auf ihrem feinen, aber prägnanten Gesicht spiegeln sich die Empfindungen von Angst und Zweifel bis hin zu Stolz und Glück. Und wenn sie beim Schwimmen im See etwas Knetmasse an der richtigen Stelle in der Badehose platziert, blitzt kindlicher Einfallsreichtum auf. Es gibt keine pädagogische Erklärung des Verhaltens, keine didaktischen Kniffe zur Lösung eines irgendwie gearteten Gender-Problems und schon mal gar keine Spur von Voyeurismus bei Nacktszenen. “Tomboy”, konsequent aus Kindersicht erzählt, beeindruckt durch zarte Momente und die subtile Annäherung an eine Heldin mit Respekt und Liebe. Die eindrucksvolle Coming-of-Age-Story über gesellschaftliche Normen überlässt es dem Zuschauer, sich über die “Normalität” von Geschlechterrollen Gedanken zu machen.

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nächste Woche geht es mal wieder in einen französischen Film und diesmal in einen über ein junges Paar dessen Liebe durch die Krankheit ihres Sohnes auf eine harte Bewährungsprobe gestellt wird.

In einer Pariser Diskothek treffen sie sich, Roméo und Juliette. Ein Blick und die Liebe bricht aus, die ewige, einzige und unzerstörbare Liebe. Paris und die Zukunft liegt ihnen zu Füßen, gehört ihnen. Die Krönung ihrer Liebe ist Adam, der laut schreiend zur Welt kommt. Wie alle Eltern finden sie ihren Sohnemann wunderbar, erst nach und nach bemerken sie Anomalien, die Ärztin stellt eine Gesichtsasymmetrie fest, ein hinzu gezogener Neurologe bei dem 18 Monate alten Jungen einen Hirntumor. Aber die beiden kämpfen unterstützt von Freunden und Familien gegen das Schicksal, für ihr Kind und für sich selbst. Wütend, wild, wagemutig. Zwei Jahre halten sie durch, trennen und finden sich, versuchen es erneut, glauben an das Unmögliche. Ihre Liebe hält das Auf und Ab der Hoffnung nicht durch, aber wenn sie fünf Jahre später mit dem geheilten Adam am Strand spazieren, wissen sie, dass sie sich immer nah sein werden.

Regisseurin und Hauptdarstellerin Valérie Donzelli schrieb die autobiografisch geprägte Geschichte mit ihrem Ex-Lebensgefährten Jérémie Elkaim in der zweiten Hauptrolle, sie haben es auch in Wirklichkeit geschafft, dem Leben eine Bresche zu schlagen. Mit schmerzhafter Intensität zeichnen sie den Weg von der Unbekümmertheit in die Verzweiflung und Traurigkeit. Wenn am Ende die Stimme des Erzählers sagt “Sie waren zerstört, aber gefestigt”, ist das auch der Startschuss zu etwas Neuem. Obgleich das Kreativ-Duo ähnliches durchmachte, nehmen sie den Film nicht als Mittel zur psychologischen oder dokumentarischen Aufarbeitung, sondern zeigen lapidar, wie die alltäglichen Kleinigkeiten hinter der Katastrophe verschwinden, wie zwei Menschen über sich hinauswachsen.

Mal Komödie, mal Drama begibt sich der Film auf einen atemlosen Wettlauf, bei dem Tempo und Ausdauer zählen, ein am Ende erfolgreicher Marathon. In der poetisch-musikalischen Tradition von Jacques Démy beginnt das Paar zu singen, begleiten Chansons den Handlungsrhythmus von den höchsten emotionalen Höhen bis zum tiefen Absturz und erlauben streckenweise eine wunderbare Verspieltheit. An das Voice Over über lange Strecken hinweg gewöhnt man sich. Authentizität schöpft Donzelli nicht nur durch die ehrliche Performance, sondern auch durch die Canon-Kamera, die beim Drehen natürliches Licht erlaubte. Nur am Ende, trumpft 35mm in Slow Motion auf, für Donzelli wunderschöne Zeitlupenbilder, die mit einer anderen Kamera nicht zu erreichen wären. Auch wenn die Schicksalssinfonie in einer Rückblende erzählt wird und man um das positive Ende weiß, hält der Film die Spannung. Und das ist schon eine Leistung an sich.

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nächste Woche sehen wir Michelle Williams als Hollywood-Ikone zwischen sexy Star, verwundbarer Persönlichkeit und um Anerkennung kämpfende Aktrice. Es ist zuallererst Michelle Williams, die nach “Brokeback Mountain” und “Blue Valentine” erneut mit einer sensationellen Performance die Leinwand zum Glühen bringt. Sie spielt nicht Marilyn, sie ist Marilyn in der amüsanten Verfilmung der Memoiren von Colin Clark, 1957 dritter Produktionsassistent bei “Der Prinz und die Tänzerin”.

Unter der Regie von Sir Laurence Olivier steht Marilyn Monroe erstmals in England vor der Kamera. Auf sehr komische, dann wieder sehr tragische Weise reflektiert Simon Curtis biographisch angehauchtes Drama die Ambivalenz zwischen dem sinnlichen Celebrity-Konstrukt und der verwundbaren und unsicheren Frau, die den Spagat zwischen äußerem Glamour und inneren Ängsten nur mühsam schafft und dennoch ihre Träume leben will. Am Set fühlt sich die ständig verspätete Schauspielerin vom fordernden und auf Pünktlichkeit bedachten Olivier (Kenneth Branagh in einer Mischung aus Tyrann und klassischem Künstler) überfordert, als dann noch ihr frisch angetrauter Gatte, der Dramatiker Arthur Miller nach Amerika zurückfährt, wird der junge Colin ihr Vertrauter, Fremdenführer und Beschützer.

Der Film basiert auf den 40 Jahre später veröffentlichten Tagebüchern des Filmemachers Colin Clark, in deren erster Fassung eine Woche fehlte, genau diese emotionsgeladene Woche mit Marilyn. Die folgte als spätere Memoiren-Fortsetzung. Ob die Geschichte nun der Realität entspricht oder der Fantasie eines damals 23-Jährigen, ob es wirklich bei platonischer Liebe blieb oder nicht, ist egal. Sie könnte wahr sein, das sollte genügen. Die Monroe fühlte sich allein gelassen und missverstanden, brauchte einen Verbündeten, der sie bewunderte und aufbaute, ihr Aufmerksamkeit schenkte. Nostalgisch und herzzerreißend schön.

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München geht natürlich auch ins Kino, aber aufgrund der Tatsache das Martha… leider mal wieder nicht wirklich läuft, in einen anderen Film und zwar in eine bittersüße Romantikkomödie um eine junge Witwe, die ausgerechnet für den unauffälligsten Mann in ihrer Firma ihre Gefühle entdeckt. “La délicatesse”, so der Originaltitel, ist David Foenkinos’ achter Roman und rührte Leser in 21 Sprachen zu Tränen. Die sollten auch bei der Leinwandadaption fließen. Am Anfang möchte einem das Herz aufgehen bei diesem idealen Paar.

Nathalie und François sind füreinander geschaffen, feiern ihre ewige Liebe, wo immer es geht, ob in dem kleinen Pariser Café, wo sie sich kennen gelernt haben, in der Métro vor großflächigen Reiseplakaten oder beim sonntäglichen Familienessen mit den Eltern, wo sie sich für ein Schäferstündchen am Nachmittag zurückziehen. Von einem Tag auf den anderen steht die junge Frau alleine da. Nach dem Unfalltod ihres Mannes kniet sie sich in die Arbeit, macht Karriere und beisst die Zähne zusammen, verbringt ihre Zeit mutterseelenallein. Den Avancen ihres Chefs begegnet sie mit Schroffheit. Warum sie aus einem Impuls heraus den nicht gerade attraktiven Quotenschweden in der Firma küsst und sich fast unfreiwillig auf eine emotionale Reise begibt, weiß sie selbst nicht.

Der Charme der Dramödie liegt in dem totalen Gegensatz zwischen der smarten Audrey Tautou und dem Umstandskrämer François Damiens, der mit Zähigkeit, Strickjacke und einer Portion entwaffnender Naivität sein Ziel erreicht. Wie das Paar zwischen Nähe und Distanz, Abwehr und Hingabe die Waage hält, wird zum famosen Pas de deux raus aus der Kältekammer der Seele. Kameramann Rémy Chevrin begleitet mit seiner Lichtsetzung die Stimmungen der Hauptfigur vom totalen Glück über Trauer bis zur Wiedergeburt. Und es tut so richtig gut, wenn wie im Märchen die Prinzessin den “Frosch” küsst und aus ihm ihren Herzensprinzen macht.

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nach der lockerflockigen Unterhaltung der letzten Woche, geht Berlin dieses Mal in ein subtiles Psychodrama mit Thrillertouch über eine junge Frau, die nach Jahren in einer sektenähnlichen Gemeinschaft mit ihren Ängsten und einem bürgerlichen Leben zurechtkommen muss. “Martha Marcy May Marlene”, der Titel steht für die Identitätskonfusion der Protagonistin, löste bereits beim Sundance Film Festival Vergleiche mit der letztjährigen Entdeckung “Winter’s Bone” aus, mit der er den Fokus auf eine junge Frau, den nüchtern-abgeklärten Ton und ein sich leise entwickelndes Element der Bedrohung teilt.

Nach mehreren Jahren in einer sektenartigen Gemeinschaft ist Martha geflüchtet und wird von ihrer Schwester Lucy und ihrem Mann aufgenommen. Der Entfremdung der beiden, die sich wohl schon vor Marthas spurlosem Verschwinden abzeichnete, setzt das Drehbuch eine langsame Wiederannäherung entgegen, die durch Marthas Erfahrungen und ihre zunehmende Paranoia kompliziert werden. Eine tragende Rolle spielt dabei ein Girl-Whisperer (John Hawkes aus “Winter’s Bone”), der Martha wie auch die anderen Frauen seiner Kommune mit einem idealistisch-alternativen Lebensmodell und vermeintlich selbstloser Aufmerksamkeit köderte und manipulierte, Unterordnung aber nicht nur im Bett einforderte.

Die Präsenz dieses charismatisch-bedrohlichen Sektenführers ist immer spürbar, seine Rückkehr wird von Martha und auch vom Zuschauer befürchtet, womit sich im letzten Drittel ein Thrillertouch bemerkbar macht, den Regisseur Durkin mit Kameraperspektiven, Bildausschnitten und Musik so subtil entwickelt wie er die Dynamik zwischen den Figuren zeichnet. Die Protagonistin ist dabei so schwer zu lesen wie der Film, der ansatzlos die Zeitebenen wechselt, Informationen und Erklärungen ausspart und nie konkretisiert, wie weit Marthas Paranoia tatsächlich das Gesehene beeinflusst. Damit ist dieses souverän inszenierte Debüt einer der raren, unberechenbaren Filme, die Geheimnisse über das Schlussbild hinaus bewahren und damit zur Diskussion anregen.

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nächste Woche geht es mal in ein Märchen und zwar in eine Adaption von Schneewittchen die, mit Julia Roberts als giftiger Stiefmutter, die komischen Seiten des klassischen Märchens entdeckt.

Augenscheinlich geht es um Schönheit, tatsächlich aber um Schnelligkeit in dieser verspielten und vorwiegend heiteren Adaption, die acht Wochen früher als “Snow White and the Huntsman”, die deutlich düsterer und als Franchise angelegte Action- und Fantasyvariante des Grimmschen Bausatzes, in die Kinos kommt und nicht zuletzt zur Einhaltung dieses Zeitvorteils die ursprünglich geplante Dreidimensionalität aufgegeben hat. Motor des neuen Märchenbooms ist Disneys Megahit “Rapunzel – Neu verföhnt”, der wohl auch die selbstbewusstere und kämpferische Titelheldin, dargestellt von Musiker Phil Collins’ Tochter Lily, inspiriert hat. Die wahre Geschichte von Schneewittchen entfernt sich von der Vorlage, macht den Prinzen zum gut gebauten, im Wirkungsgrad aber überschaubar maskulinen Ken-Klon, die sieben Zwerge zu lustigen Räubern im Geiste von Terry Gilliams “Time Bandits”, benutzt die Grimmschen Motive von Neid und Eifersucht, verzichtet aber auf Todesschlaf und andere Horrorelemente des Klassikers.

Auf den Spuren von Cruella de Vil zeichnet Julia Roberts die böse Stiefmutter mit großen exzentrischen Gesten, gibt Collins das blütenreine Gutgeschöpf und Nathan Lane als Roberts’ Vertrauter eine Art Hofnarren. Obwohl “Spieglein, Spieglein…” nicht das Budget großer Studioproduktionen und auch nicht von Singhs blutiger Schlachtplatte “Krieg der Götter” zur Verfügung stand, sind auch hier Design, Eiko Ishiokas Kostüme und Bildgestaltung die eigentlichen Stars. Alle Landschaften wirken bewusst artifiziell, in Roberts’ Schloss vereinen sich Elemente von Neuschwanstein und russischen Kirchen, die Zwerge “attackieren” auf Stelzen, und die Mordgesellen der Königin sind ferngesteuerte XXL-Marionetten.

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nächste Woche geht‘s nach “Zeit des Erwachens” (1989) mit Robert De Niro und Robin Williams in den zweiten Spielfilm, dem Aufzeichnungen des britischen Neurologen Dr. Oliver Sacks zugrunde liegen. Weil dieser wie kaum ein anderer schwierige wissenschaftliche Sachverhalte einfach und verständlich kommunizieren kann, eignen sich seine Schriften hervorragend als Drehbuch-Vorlage. So auch die Fallstudie “The Last Hippie”. Medizinisch geht es um einen jungen Mann, der durch einen, immerhin gutartigen Gehirntumor sein Erinnerungsvermögen nahezu komplett verloren hat. Durch eine spezielle Form der Musiktherapie gelingt es, längst vergangene Erlebnisse, die der Patient mit bestimmten Songs verknüpft, wieder abzurufen.

Regie-Newcomer Jim Kohlberg, der bisher lediglich als Produzent in Erscheinung trat, interessiert sich in “The Music Never Stopped” jedoch nicht nur für diese ebenso faszinierende wie einzigartige Therapieform, er erzählt auch eine zutiefst menschliche Familiengeschichte, die sowohl heitere wie dramatische Elemente enthält. Diese wird insbesondere von herausragenden darstellerischen Leistungen getragen.

Trotz der fraglos vorhandenen Schwere des Themas wirkt dieses Drama dennoch stets federleicht und geradezu beschwingt. Auch ein Verdienst des Drehbuchs von Gwyn Lurie und Gary Marks, die immer wieder schöne Sechzigerjahre Flashbacks aus Gabriels Kindheit und Jugend eingebaut haben. Dies wiederum gibt Kohlberg die Gelegenheit, den sensationellen Soundtrack zum eigentlichen Hauptdarsteller seines Debütfilms zu machen. Gerade die Sixties und Seventies sind mit Klassikern von den Beatles über Bob Dylan bis zu Grateful Dead und Co. bestens vertreten. Und so ist “The Music Never Stopped” auch eine hübsche Hommage an das gute alte Vinyl, ein exquisites Sammlerstück für Nostalgiker, aber auch sehr unterhaltsam für alle, die sich für Papas respektive Opas Jugend interessieren

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