Hallo Ihr Lieben,

nächste Woche geht‘s in die erste große Hollywoodproduktion des dänischen Regiewunderkinds Nicolas Winding Refn, das es mit seinem achten Film erstmals – endlich! – auf deutsche Leinwände schafft. Es ist ein cooler, kühler, unendlich faszinierender und hypnotisierender Film geworden, eine Reise buchstäblich ans Ende der Nacht, ein L.A.-Neo-Noir, vorangetrieben von einem pumpenden Eurosynth-Soundtrack, seinem lakonischen, zupackenden Ton und einer Besetzung, die so hip ist, dass es fast wehtut.

Der Film ist ein mit großem Stilwillen realisiertes Krimimärchen, dessen namenloser Held – er wird einfach “Driver” genannt und von Ryan Gosling als Steve McQueen mit Poker- und Babyface gespielt – ein einsamer Wolf mit einem ganz eigenen Ehrenkodex ist. Er wickelt seine Arbeit – tagsüber als Stuntman für Hollywood und nachts als Fahrer für die Mafia – mit unbeteiligter Präzision ab, verliebt sich dann jedoch in seine Nachbarin. Carey Mulligan ist wie Molly Ringwald in “Sixteen Candles”. Diese Liebe ist es, die Driver befreit, aber schließlich auch seinen Niedergang herbeiführt: Um sie zu retten, beteiligt er sich an einem riskanten Raubzug, der prompt schiefgeht und ihn auf einmal auf einen Kollisionskurs mit denen schickt, die eigentlich seine Auftraggeber sind. In einer jetzt schon legendären – und in Cannes mit Applaus bedachten – Szene in einem Fahrstuhl liegen heiße Küsse und exzessive Ultragewalt so nahe beisammen, wie man es seit “Wild at Heart” nicht mehr erlebt hat. Und doch verliert “Drive” nie den Boden unter den Füßen oder gar die Kontrolle übers Lenkrad: Refn – der selbst keinen Führerschein besitzt – steuert seinen Film mit der Übersicht eines Schachspielers durch sein Plotlabyrinth, bis hin zum intensiven Showdown, in dem Driver gegen seine Nemesis antritt. Auf dem Weg dahin werden angesagte Fernsehstars aus “Breaking Bad” und “Mad Men” verschlissen, kleine Tragödien am Rande erzählt und das Kino mit originellen Verfolgungsjagden und eindringlichen Bildern zelebriert, die einem Augen und Herz übergehen lassen: Mit Bleifuß rast “Drive” zum ewigen Kultstatus.

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Hallo Ihr Lieben,

nächste Woche geht’s in den neuen Clint Eastwood – wir lieben seine Filme – und zwar in die Biographie von J. Edgar Hoover – Leonardo DiCaprio läuft für die zeitlich fast 50 Jahre umfassende Hauptrolle zu schauspielerischer Höchstform auf -, dem berühmten FBI-Direktor, der die kriminalistische Spurensicherung revolutionierte, zugleich ein geheimes Aktenarsenal ansammelte, mit dem er die mächtigsten Politiker erpresste und einerseits als Musterbild für Gesetzessinn und Moralität galt, anderseits als kontrollsüchtig, egozentrisch, erpresserisch und rassistisch. Eastwood, der für sein Understatement bekannt ist, entschied sich für einen farbentsättigten, monochromatischen Look, der fast wie schwarz/weiß aussieht. Das Drehbuch von Dustin Lance Black, der bereits für das biografische Drama “Milk” Elemente von Politik, Machtkonflikten und Homosexualität souverän verband, konzentriert sich neben den belegten Fakten auf die tragische Liebesgeschichte zwischen Hoover und seinem Assistenzdirektor Clyde Tolson (Armie Hammer). Diesen homosexuellen Aspekt geht Eastwood in sehr zurückhaltender Weise an, und er begnügt sich mehr mit diskreten Andeutungen denn mit deftigen Direktheiten. Die anspruchsvolle Erzählstruktur verzichtet auf chronologischen Ablauf und es wird ein ausführliches Voiceover aus der Perspektive des Protagonisten eingesetzt. So wird die Story mit Hoovers Diktat der Entstehungsgeschichte des FBI eingeklammert.

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Hallo Ihr Lieben,

nächste Woche geht’s in den furiosen, französischen Erfolgshit „Ziemlich beste Freunde“ über die bewegende Freundschaft zwischen zwei total gegensätzlichen Männern und den Mut zum Leben. 5 Mio. Zuschauer stürmten innerhalb von zwölf Tagen in Frankreich die Kinos, um diese herzergreifende Tragikomödie zu sehen, um zu lachen, zu weinen und das ganz große Kinogefühl zu spüren. Zwei Männer würden sich normalerweise nie begegnen, der eine ist weiß, reich und querschnittsgelähmt, der andere schwarz und arm, der eine residiert im vornehmen Pariser Stadtpalais, der andere kommt aus der heruntergekommenen Banlieue, der eine hat viel verloren, der andere hat nichts zu verlieren. Was sich wie ein unerträglich kitschiges Behindertenmärchen anhört, ist bei Olivier Nakache und Eric Toledano eine Reflexion darüber, was es heißt, nicht mehr die Kontrolle über den Körper zu haben und von der Hilfe Anderer abhängig zu sein, Anteilnahme fühlen und sich gegen Mitleid wehren zu müssen. Inspiriert vom Schicksal des Philippe Pozzo di Borgo, Ex-Chef der Champagnerfirma Pommery, und Abdel Sellou, einem jungen Mann aus der Vorstadt, erzählt das Regieduo mit viel (Galgen)Humor, aber auch mit Ernsthaftigkeit und ohne Larmoyanz, Pathos oder einen falschen Ton vom Zusammenprall der Klassen und von der immensen Kraft, das Leben zu nehmen, so wie es ist.

Und: Wie könnte es anders sein, die Weinsteins planen schon ein mögliches Remake des bereits in über 40 Länder verkauften Films.

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Hallo Ihr Lieben,

nächste Woche geht es in den neuen George Clooney, der in seiner vierten Regiearbeit nach Beau Willimons Theaterstück “Farragut North” Zynismus und Skrupellosigkeit eines amerikanischen Präsidentschaftskandidaten entlarvt. Leichter zugänglich als “Good Night and Good Luck” entwirft er in “The Ides of March” in Assoziation an die Jahreszeit, in der Brutus seinen Ziehvater Cäsar verriet, ein Panoptikum des Vorwahlkampfes in den USA, der einen seiner Höhepunkte in Ohio findet.

Clooney ist der charmante demokratische Kandidat, der seine Anhänger durch Integrität mitreißt. Er will ein neues Amerika, ein besseres Amerika und eine Regierung, die sich für alle verantwortlich fühlt, nicht nur für die Reichen, sondern auch die sozial Schwachen – fast O-Ton Obama. Als Gouverneur Mike Morris steht er für Gerechtigkeit und Moral. Nur ist er nicht der erste, der Wasser predigt und Wein trinkt. Sein junger und idealistisch gesonnener Pressechef unterstützt ihn und kämpft für den Sieg seines Idols. Bis er eine Affäre mit einer 20jährigen Praktikantin beginnt und merkt, dass er nicht der Einzige ist und in ein gefährliches Netz aus Lüge, Korruption und Skrupellosigkeit gerät, aus Ehrgeiz in die Falle des Gegners tappt.

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Meine Lieben,

pünktlich zum Jahresende meldet sich München wieder um mit Euch das neue Kinojahr 2012 einzuläuten! Ich hoffe, dass Ihr wieder fleißig mitkommt! Berlin macht noch eine Woche länger Ferien.

Das neue Jahr beginnen wir mit einer “Dunklen Begierde” und einem tollen Cast: Viggo Mortensen, Keira Knightley und dem großartigen Michael Fassbender.

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Hallo Ihr Lieben,

wir wünschen Euch großartige Weihnachtsferien, abertausende Geschenke und funkelnde Augen, Schneegestöber und Zuckerwattenzauber, kuschlige Sofatage und aufregende Partynächte, klirrende Gläser und dampfende Schüsseln, knackige Weihnachtsmänner und berauschende Engel, ein knallbuntes Feuerwerk und einen 1.1. ohne dicke, fette Katerkatze…

Und wer nicht auf den Link klickt, der sieht auch nicht die schönste Bildergalerie des Jahres – extra für Euch! (weiterlesen …)

Hallo Ihr Lieben,

nächste Woche geht‘s in den neuen Buck! “What a Woman!” heißt es nun in seiner durchgeknallten Film-im-Film-Comedy à la „Tootsie“, in der er Matthias Schweighöfer ins kleine Schwarze schlüpfen, jede Menge Make-Up auftragen, oben herum ein bisschen aufpolstern und ihn in High Heels den grazilen Models-Laufsteg-Gang proben lässt. Das Ergebnis ist ein schräger, verrückter und bis zum Schluss schreiend komischer Spaß des Filme machenden Nordlichts, das seit seinem Riesenhit “Männerpension” nicht mehr so inspiriert inszeniert hat.

Natürlich lebt “Rubbeldiekatz” in erster Linie vom klassischen und wohl bekannten Wechselspiel der Identitäten und der steten Gefahr des Entdeckens, der Alexander/Alexandra ausgesetzt ist. Doch Buck gibt sich damit nicht zufrieden. Indem er die nicht allzu weit her geholte These aufstellt, Hollywood würde in Berlin ständig nur Nazifilme drehen (siehe “Operation Walküre”, “Der Pianist, “Inglourious Basterds”), webt er ein Film-im-Film-Szenario mit ein, das ihm Gelegenheit gibt, eine Satire über internationale Kinoproduktionen in Deutschland loszutreten, die nicht nur bei Insidern großes Amüsement verbreiten dürfte. Sämtliche Nebenrollen sind exquisit wie adäquat besetzt, etwa Milan Peschel (“Halt auf freier Strecke”) als stockschwuler Kostümdesigner oder Sunnyi Melles als Sarahs affektierte Agentin. Und weil die crazy Comedy nicht nur durch Dialogwitz, schwarzen Humor und treffsichere Gags im Minutentakt begeistert, sondern auch noch einen genialen Soundtrack hat, ist diese durchgeknallte “Rubbelkatze” auf dem besten Weg dazu, ein richtig großer deutscher Weihnachtskinohit zu werden.

Und sogar die Filmbewertungstelle stellt fest: “Rubbeldiekatz ist eine glänzend geschriebene und gespielte Komödie mit guten Pointen auf ganz verschiedenen Ebenen.”

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Hallo Ihr Lieben,

nächste Woche geht‘s in die bewegende Bestseller-Verfilmung, die mit viel Herz sowie einigem Humor vom Schicksal afroamerikanischer Hausangestellter während der frühen 60er im noch reichlich rassistischen Mississippi erzählt. Autorin Kathryn Stocketts verarbeitete für ihren 2009 erschienenen Roman eigene Kindheitserfahrungen. Wie ihr langjähriger guter Freund und Regisseur von “The Help”, Tate Taylor, kommt sie aus Jackson, Mississippi, und konnte aus erster Hand mit verfolgen, wie afroamerikanische Angestellte wie Sklaven behandelt wurden. Auf Stocketts Betreiben wurde Taylor, der zuvor nur einen Kurzfilm gedreht hatte, die Regie übertragen. Was ihm an inszenatorischer Erfahrung mangeln könnte, gleicht er mit einem stark um Authentizität bemühten Augenmerk aus. Zudem ist das mitreißende Sozialdrama durchweg fabelhaft besetzt. Vor allem glänzen die Darsteller des Protagonisten-Trios, Viola Davis und Octavia Spencer als Dienstmädchen Aibileen und Minny sowie Emma Stone als junge weiße Journalistin Skeeter, die sich aufrichtig für sie interessiert und die Geschichten der Hausmädchen in Buchform bringt.

Auch wenn es sich um ein Kapitel (beschämender) amerikanischer Geschichte handelt, hat der Film wie bereits das Buch gute Chancen bei einem breit gefächerten Publikum zu landen mit seiner gewinnenden Mischung aus übergreifender Sozialkritik und feinfühligem persönlichen Drama, das mit Witz und Charme aufgelockert wird.

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nächste Woche geht‘s in den neuen Polanski und damit in die cineastische Adaption eines Theaterstücks von Yasmina Reza. Als Meisterregisseur erweist sich Roman Polanski, der mit vier Darstellern und einem einzigen Schauplatz großes Kino zaubert. Jede Geste, jede Miene stimmt, ohne übertrieben zu wirken, wie es bei der Übertragung von der Bühne auf die Leinwand leicht passieren könnte. In den geschliffenen Dialogen sitzt jede Pointe, versteht man jedes Wort, ohne dass es künstlich, aufgesetzt wirkt – es sei denn es gehört zum Charakter der Figur. Jede der vier Figuren wird im Laufe der Debatten und des zunehmenden Alkoholkonsum die Contenance verlieren, manche schneller als andere. Kate Winslets Figur entwickelt sich dabei am überraschendsten in dieser Typenkomödie, in der Christoph Waltz schon am Anfang als arroganter Workaholic glänzen darf. Jodie Foster gibt brillant die hyperkorrekte Weltretterin, John C. Reilly ihren fürchterlich wohlmeinenden Mann. Die Fronten in den Wortgefechten ( die martialische Bedeutung ist unbedingt berechtigt) wechseln ständig, da gibt es Male-Bonding über den Whiskey bzw. die John-Wayne- oder Ivanhoe-Attitüde, da streiten sich die Ehepaare untereinander oder verteidigen sich gegen das andere.

Der Unterhaltungswert steigert sich im Lauf der Handlung, wenn aus den zu Anfang so betont friedliebenden, freidenkenden, nur ein wenig genervten Großbürgern bissige, vorurteilsbeladene Spießbürger und Proleten werden.

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nächste Woche geht‘s in ein Roadmovie voller wundervoller Rätsel und entrückter Bilder mit einem groß-, großartigen Sean Penn als ehemaliger Rockstar Cheyenne, der sich 20 Jahre nach seinem Abschied aus dem Rampenlicht von Dublin aus aufmacht, um im Hinterland der USA nach dem greisen Mann zu fahnden, der seinen Vater einst folterte. Anders als man es von einem Roadmovie erwarten würde, erzählt “Cheyenne” weniger vom Aufbruch, sondern von einer Reise nach innen: Die Suche nach den Wurzeln des Vaters hilft dem kauzigen Helden hier, sich selbst zu finden und endlich wieder einen Schritt nach vorn zu wagen im Leben. Zunächst ist es ein Schock, Sean Penn, Inbegriff des kernigen Mannsbildes nach Bruce-Springsteen-Zuschnitt, in seinem Kostüm zu sehen, als 50-jähriger Mann, der immer noch aussieht, wie es Robert Smith von The Cure in den Achtzigerjahren tat: ein Goth mit toupiertem, schwarzem Haar und kieksender Fistelstimme. Man fragt sich, ob das funktionieren kann. Kann es: Mehr und mehr erweist sich diese aus der Zeit gefallene Vogelscheuche als idealer Führer in die ungewöhnliche, überbunte Filmwelt Sorrentinos, in der alles ganz anders ist, als man es gemeinhin erwarten würde – außer dass das Ergebnis so emotional und nachhaltig ist, wie man es sich von blitzsauberem Erzählkino erhoffen darf.

Mit seinem ersten englischsprachigen Kinoprojekt verneigt sich der Italiener Paolo Sorrentino, dem mit seinem “Il Divo” vor drei Jahren in Cannes der große Schritt ins internationale Rampenlicht gelang, vor dem Kino (und der Musik) seiner Jugend: Die Roadmovies von Jonathan Demme (“Gefährliche Freundin”), Wim Wenders (“Paris, Texas”) und David Byrne (“True Stories”) mit ihren skurrilen Figuren und ihrem wehmütigen Blick auf ein unbehaustes Amerika jenseits der Metropolen standen Pate für diesen ungewöhnlichen Film.

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